Trilhas Sonoras Impossíveis de Esquecer
Uma boa trilha sonora em um jogo pode fazer muito mais do que apenas preencher o silêncio. Ela pode fazer você torcer pelos personagens, aumentar a tensão antes de um chefão, transformar uma simples viagem pelo mundo aberto em uma aventura à parte ou associar para sempre uma melodia específica à sua cena favorita.
Neste topo estão jogos onde a trilha sonora se tornou uma parte integral da experiência de jogo. Aqui há composições atmosféricas, rock e eletrônica poderosos, temas orquestrais e músicas que funcionam tão bem que você quer ouvi-las mesmo fora do jogo.
Silent Hill 2
Compositor: Akira Yamaoka
Gênero Musical: Trip-hop, rock alternativo, industrial, ambiente
A trilha sonora de Silent Hill 2 é um clássico absoluto, transcendendo os limites dos videogames. Akira Yamaoka misturou magistralmente rock de guitarra, industrial frio, trip-hop e ambiente perturbador, criando um som praticamente impossível de confundir com qualquer outra coisa.
Os contrastes são especialmente impressionantes. Os solos melancólicos de guitarra em Theme of Laura e Promise transmitem solidão, saudade e dor interior, e então a música muda subitamente para ruído, rangidos e dissonâncias. Essas transições sonoras funcionam quase como uma extensão do estado psicológico de James — às vezes a música assusta antes mesmo de algo realmente assustador aparecer na tela.
Journey
Compositor: Austin Wintory
Gênero Musical: Clássica sinfônica, orquestra interativa
Journey é um exemplo perfeito de como a música pode contar uma história praticamente sem palavras. A trilha sonora de Austin Wintory foi a primeira música de videogame a ser indicada ao Grammy, e essa conquista é totalmente compreensível: as composições aqui não são um pano de fundo, mas uma das principais ferramentas narrativas.
O papel principal é dado ao violoncelo, que basicamente atua como a voz musical do herói. À medida que a jornada avança, o som muda junto com o que acontece na tela: temas calmos e leves gradualmente se transformam em composições orquestrais grandiosas. Graças a isso, até mesmo o simples ato de avançar pelo deserto parece parte de uma grande e emocionante jornada.
Disco Elysium
Compositores: British Sea Power (Sea Power)
Gênero Musical: Indie rock, post-rock, ambiente
A trilha sonora de Disco Elysium complementa perfeitamente o mundo decadente de Revachol, impregnado de álcool, debates políticos e memórias. A música da banda britânica Sea Power cria a sensação de uma cidade que já viveu dias melhores, mas agora tenta lentamente entender o que fazer a seguir.
As guitarras tristes, os teclados hipnóticos e as composições de post-rock arrastadas funcionam especialmente bem durante a exploração de Martinaise. A música não tenta ser sempre perceptível — pelo contrário, muitas vezes é suficientemente discreta para gradualmente se infiltrar na atmosfera do jogo. Mas basta ouvir uma composição familiar separadamente, e as ruínas cinzentas de Revachol e suas ruas destruídas voltam à mente.
Final Fantasy XV
Compositores: Yoko Shimomura, Keiichi Okabe e outros.
Gênero Musical: Orquestra sinfônica, rock operístico, jazz, blues
Yoko Shimomura criou para Final Fantasy XV uma tela musical grandiosa que muda constantemente junto com o clima do jogo. Aqui há temas orquestrais majestosos, composições dramáticas e músicas que transformam inesperadamente a viagem de um grupo de amigos em uma aventura rodoviária quase aconchegante.
Uma das principais qualidades da trilha sonora é sua diversidade. Somnus estabelece imediatamente o tom trágico e épico da história, enquanto durante as viagens no Regalia tocam composições mais leves, permitindo simplesmente aproveitar a estrada. Graças a isso, a música enfatiza não apenas a escala dos eventos, mas também a amizade de Noctis, Ignis, Gladiolus e Prompto.
Clair Obscur: Expedition 33
Compositores: Lorien Testard (com participação de Alice Duport-Percier)
Gênero Musical: Neoclássica, barroco, vocal operístico
Clair Obscur: Expedition 33 mostra o quão expressiva uma trilha sonora moderna pode ser quando a música não é apenas um acompanhamento, mas parte do estilo artístico do jogo. Lorien Testard criou uma partitura incomum, inspirada no barroco francês, na música clássica e na estética da Belle Époque.
Um lugar especial é ocupado pelas composições vocais com participação de Alice Duport-Percier. Sua voz adiciona à música uma sensação de algo simultaneamente belo e inquietante. Os instrumentos de corda, o piano e as partes vocais constantemente equilibram-se entre fragilidade e drama, o que corresponde perfeitamente aos temas centrais do jogo — tempo, memória, morte e a tentativa de deixar algum legado.
Cyberpunk 2077
Compositores: P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz
Gênero Musical: Techno industrial, synthwave, rock cyberpunk
Night City é inimaginável sem sua música. Em Cyberpunk 2077, a trilha sonora se tornou uma parte integral da cultura da cidade: o rádio toca praticamente em todos os lugares, a música acompanha tiroteios, viagens de carro e os momentos mais importantes da história.
A música original de P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz e outros compositores combina eletrônica agressiva, ritmos industriais e temas sombrios de sintetizador. Uma história à parte são as bandas fictícias e estações de rádio, para as quais artistas reais gravaram músicas especificamente para o mundo do jogo. Como resultado, cria-se a sensação de que Night City realmente tem sua própria vida musical.
Red Dead Redemption 2
Compositor: Woody Jackson
Gênero Musical: Neo-western, folk acústico, música interativa
Em Red Dead Redemption 2, a música está intimamente ligada à própria sensação de viagem. O enorme mundo do jogo frequentemente leva o jogador a simplesmente cavalgar pelas pradarias, montanhas e pequenos assentamentos, e é nesses momentos que a trilha sonora se revela especialmente bem.
Woody Jackson usa guitarras, banjo, gaita e outros instrumentos associados ao Velho Oeste americano. No entanto, a música não simplesmente toca em certos lugares — ela muda dinamicamente dependendo do que está acontecendo. Uma cavalgada tranquila pode gradualmente se transformar em uma cena musical tensa durante uma perseguição ou tiroteio.
E certas canções, que aparecem em momentos-chave da história, podem literalmente se fixar na memória junto com os eventos que acompanham.
Elden Ring
Compositores: Yuka Kitamura, Tsukasa Saitoh, Shoi Miyazawa e outros.
Gênero Musical: Fantasia épica sombria, orquestra sinfônica, coral
Elden Ring usa a música principalmente para criar uma sensação de escala. Chefes gigantescos, deuses antigos e reinos destruídos devem ser percebidos como algo verdadeiramente grandioso — e a trilha sonora orquestral lida muito bem com essa tarefa.
Coros poderosos, percussão pesada, instrumentos de corda e metais transformam muitas batalhas praticamente em espetáculos musicais. Além disso, chefes importantes frequentemente têm seus próprios temas musicais, que ajudam a enfatizar seu caráter e história.
A música aqui não apenas diz ao jogador: "você tem um inimigo difícil pela frente". Ela cria a sensação de que diante de você está uma criatura que sobreviveu a uma era inteira.
Doom Eternal
Compositor: Mick Gordon
Gênero Musical: Metal extremo, industrial, djent
Se Journey usa a música para uma viagem emocional tranquila, DOOM Eternal faz praticamente o oposto. Aqui, a trilha sonora é necessária para fazer o jogador se mover mais rápido, de forma mais agressiva e sem parar.
Mick Gordon combinou riffs de guitarra pesados, djent, industrial, sintetizadores e efeitos eletrônicos agressivos. A música sincroniza-se perfeitamente com o sistema de combate: quando dezenas de demônios aparecem ao redor, a trilha sonora literalmente empurra você a continuar o ataque.
Como resultado, a música torna-se parte da jogabilidade. É difícil imaginar DOOM Eternal sem esses riffs furiosos — eles são praticamente outra arma do Slayer.
Hollow Knight
Compositor: Christopher Larkin
Gênero Musical: Neoclássica, orquestra de câmara, ambiente
A trilha sonora de Hollow Knight funciona de uma maneira completamente diferente. Em vez de tensão constante, Christopher Larkin usa um som de câmara, piano, instrumentos de corda e partes orquestrais suaves, criando uma sensação de beleza em um mundo há muito moribundo.
Cada área de Hallownest recebe seu próprio clima musical. Em alguns lugares, as composições soam misteriosas e inquietantes, em outros — tristes e quase pacíficas. Graças a isso, explorar o reino parece não apenas se mover entre locais, mas uma viagem pelos restos de um mundo outrora vivo.
É essa mistura de melancolia e beleza que torna a trilha sonora de Hollow Knight tão memorável. Praticamente não há sensação de música supérflua — cada composição existe para enfatizar um determinado lugar ou momento.
Música que se Torna Parte do Jogo
Todos esses projetos têm abordagens completamente diferentes em relação à música. DOOM Eternal a usa para adrenalina, Journey — para uma jornada emocional, Silent Hill 2 — para ansiedade e melancolia, e Disco Elysium transforma a trilha sonora em mais uma voz de seu mundo.
É por isso que as melhores trilhas sonoras de jogos ficam na memória tão bem quanto os personagens e as cenas da história. Às vezes, basta ouvir os primeiros segundos de uma composição familiar para voltar a Night City, Hallownest, Revachol ou em algum lugar no meio dos desertos de Red Dead Redemption 2.
Uma boa música acompanha o jogo. Uma grande música continua a viver separadamente dele.