Bandas sonoras imposibles de olvidar
Una buena música en un juego puede hacer mucho más que simplemente llenar el silencio. Puede hacer que te preocupes por los personajes, aumentar la tensión antes de un jefe, convertir un simple viaje por un mundo abierto en una aventura aparte o vincular para siempre una melodía específica con tu escena favorita.
En este top encontrarás juegos en los que la banda sonora se convirtió en una parte integral de la experiencia de juego. Aquí hay composiciones atmosféricas, rock y electrónica potentes, temas orquestales y música que funciona tan bien que quieres escucharla incluso fuera del juego.
Silent Hill 2
Compositor: Akira Yamaoka
Género musical: Trip-hop, rock alternativo, industrial, ambient
La banda sonora de Silent Hill 2 es un clásico absoluto que trasciende con creces el ámbito de los videojuegos. Akira Yamaoka mezcló magistralmente rock guitarrero, industrial frío, trip-hop y ambient inquietante, creando un sonido que es prácticamente imposible de confundir con cualquier otra cosa.
Los contrastes son especialmente impresionantes. Los arreglos melancólicos de guitarra en Theme of Laura y Promise transmiten soledad, añoranza y dolor interno, y luego la música cambia de repente a ruido, chirridos y disonancias. Estas transiciones sonoras funcionan casi como una extensión del estado psicológico de James: a veces la música asusta incluso antes de que aparezca algo realmente aterrador en pantalla.
Journey
Compositor: Austin Wintory
Género musical: Clásica sinfónica, orquesta interactiva
Journey es un excelente ejemplo de cómo la música puede contar una historia prácticamente sin palabras. La banda sonora de Austin Wintory fue la primera música de videojuego nominada a un premio Grammy, y este logro es completamente explicable: las composiciones aquí no son un fondo, sino una de las principales herramientas narrativas.
El papel principal se le otorga al violonchelo, que actúa prácticamente como la voz musical del héroe. A medida que avanza el viaje, el sonido cambia junto con lo que sucede en pantalla: los temas tranquilos y ligeros se transforman gradualmente en composiciones orquestales a gran escala. Gracias a esto, incluso el simple hecho de avanzar por el desierto se siente como parte de un viaje grande y emocional.
Disco Elysium
Compositores: British Sea Power (Sea Power)
Género musical: Indie rock, post-rock, ambient
La banda sonora de Disco Elysium complementa perfectamente el mundo decadente, empapado de alcohol, disputas políticas y recuerdos de Revachol. La música del grupo británico Sea Power crea la sensación de una ciudad que una vez vivió mejores tiempos, pero que ahora intenta entender lentamente qué hacer a continuación.
Las guitarras tristes, los teclados hipnóticos y las composiciones de post-rock pegajosas funcionan especialmente bien durante la exploración de Martinaise. La música no intenta ser constantemente notoria; al contrario, a menudo suena lo suficientemente discreta como para infiltrarse gradualmente en la atmósfera del juego. Pero basta con escuchar una composición familiar por separado, y ante tus ojos vuelve a aparecer el gris Revachol y sus calles destrozadas.
Final Fantasy XV
Compositores: Yoko Shimomura, Keiichi Okabe y otros.
Género musical: Orquesta sinfónica, rock operístico, jazz, blues
Yoko Shimomura creó para Final Fantasy XV un lienzo musical a gran escala que cambia constantemente junto con el estado de ánimo del juego. Aquí hay temas orquestales majestuosos, composiciones dramáticas y música que convierte inesperadamente el viaje de un grupo de amigos en una aventura casi acogedora por carretera.
Una de las principales virtudes de la banda sonora es su diversidad. Somnus establece inmediatamente el tono trágico y épico de la historia, mientras que durante los viajes en el Regalia suenan composiciones más ligeras, que permiten simplemente disfrutar del camino. Gracias a esto, la música subraya no solo la escala de los eventos que ocurren, sino también la amistad de Noctis, Ignis, Gladiolus y Prompto.
Clair Obscur: Expedition 33
Compositores: Lorien Testard (con la participación de Alice Duport-Percier)
Género musical: Neoclásica, barroco, vocal operístico
Clair Obscur: Expedition 33 muestra cuán expresiva puede ser una banda sonora moderna si la música no es solo un acompañamiento, sino parte del estilo artístico del juego. Lorien Testard creó una partitura inusual, inspirada en el barroco francés, la música clásica y la estética de la Belle Époque.
Un lugar especial lo ocupan las composiciones vocales con la participación de Alice Duport-Percier. Su voz añade a la música una sensación de algo simultáneamente hermoso e inquietante. Las cuerdas, el piano y las partes vocales constantemente equilibran entre la fragilidad y el dramatismo, lo que se corresponde perfectamente con los temas centrales del juego: el tiempo, la memoria, la muerte y el intento de dejar al menos algún rastro tras de sí.
Cyberpunk 2077
Compositores: P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz
Género musical: Techno industrial, synthwave, rock cyberpunk
No se puede imaginar Night City sin su música. En Cyberpunk 2077, la banda sonora se convirtió en una parte integral de la cultura de la ciudad: la radio suena prácticamente en todas partes, la música acompaña tiroteos, viajes en automóvil y los momentos argumentales más importantes.
La música original de P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz y otros compositores combina electrónica agresiva, ritmos industriales y temas oscuros de sintetizador. Una historia aparte son los colectivos musicales ficticios y las estaciones de radio, para los cuales artistas reales grabaron canciones específicamente para el mundo del juego. Como resultado, se crea la sensación de que Night City realmente tiene su propia vida musical.
Red Dead Redemption 2
Compositor: Woody Jackson
Género musical: Neo-western, folk acústico, música interactiva
En Red Dead Redemption 2, la música está estrechamente ligada a la propia sensación del viaje. El enorme mundo del juego a menudo obliga al jugador a simplemente cabalgar a través de praderas, montañas y pequeños asentamientos, y es precisamente en esos momentos cuando la banda sonora se revela especialmente bien.
Woody Jackson utiliza guitarras, banjos, armónicas y otros instrumentos asociados con el Viejo Oeste americano. Además, la música no simplemente se activa en ciertos lugares: cambia dinámicamente dependiendo de lo que sucede. Un paseo tranquilo puede transformarse gradualmente en una escena musical tensa durante una persecución o un tiroteo.
Y ciertas canciones, que aparecen en momentos clave de la historia, pueden literalmente quedar grabadas en la memoria junto con los eventos a los que acompañan.
Elden Ring
Compositores: Yuka Kitamura, Tsukasa Saitoh, Shoi Miyazawa y otros.
Género musical: Épico oscuro de fantasía, orquesta sinfónica, coro
Elden Ring utiliza la música principalmente para crear una sensación de escala. Jefes enormes, dioses antiguos y reinos destruidos deben percibirse como algo realmente grandioso, y la banda sonora orquestal cumple excelentemente con esta tarea.
Los coros potentes, las percusiones pesadas, las cuerdas y los instrumentos de metal convierten muchas batallas prácticamente en espectáculos musicales. Además, los jefes importantes a menudo tienen sus propios temas musicales, que ayudan a resaltar su carácter e historia.
La música aquí no solo le dice al jugador: "frente a ti hay un enemigo difícil". Crea la sensación de que frente a ti hay una criatura que ha vivido toda una era.
Doom Eternal
Compositor: Mick Gordon
Género musical: Metal extremo, industrial, djent
Si Journey utiliza la música para un viaje emocional tranquilo, DOOM Eternal hace prácticamente lo contrario. Aquí la banda sonora sirve para obligar al jugador a moverse más rápido, más agresivamente y sin parar.
Mick Gordon unió riffs de guitarra pesados, djent, industrial, sintetizadores y efectos electrónicos agresivos. La música se sincroniza perfectamente con el sistema de combate: cuando aparecen decenas de demonios a tu alrededor, la pista sonora literalmente te empuja a continuar el ataque.
Como resultado, la música se convierte en parte de la jugabilidad. Es difícil imaginar DOOM Eternal sin estos riffs frenéticos: prácticamente son otra arma del Asesino de la Perdición.
Hollow Knight
Compositor: Christopher Larkin
Género musical: Neoclásica, orquesta de cámara, ambient
La banda sonora de Hollow Knight funciona de manera completamente diferente. En lugar de tensión constante, Christopher Larkin utiliza un sonido de cámara, piano, cuerdas y arreglos orquestales suaves, creando una sensación de belleza en un mundo que lleva mucho tiempo muriendo.
Cada área de Hallownest recibe su propio estado de ánimo musical. En algunos lugares, las composiciones suenan misteriosas e inquietantes; en otros, tristes y casi pacíficas. Gracias a esto, explorar el reino no se siente simplemente como moverse entre ubicaciones, sino como un viaje a través de los restos de un mundo que una vez estuvo vivo.
Precisamente esta mezcla de melancolía y belleza es lo que hace que la banda sonora de Hollow Knight sea tan memorable. Prácticamente no hay sensación de música superflua: cada composición existe para resaltar un lugar o momento específico.
Música que se convierte en parte del juego
Todos estos proyectos tienen enfoques completamente diferentes hacia la música. DOOM Eternal la usa para la adrenalina, Journey para el viaje emocional, Silent Hill 2 para la ansiedad y la melancolía, y Disco Elysium convierte la banda sonora en otra voz de su mundo.
Por eso es que las mejores bandas sonoras de videojuegos se recuerdan no peor que los personajes y las escenas de la trama. A veces basta con escuchar los primeros segundos de una composición familiar para encontrarte de nuevo en Night City, Hallownest, Revachol o en medio de los desiertos de Red Dead Redemption 2.
La buena música acompaña al juego. La grandiosa continúa viviendo separada de él.