Colonne sonore impossibili da dimenticare
Una buona musica in un videogioco può fare molto più che semplicemente riempire il silenzio. Può farti provare empatia per i personaggi, aumentare la tensione prima di un boss, trasformare un semplice viaggio in un mondo aperto in un'avventura a sé stante o legare per sempre una melodia specifica a una scena che ami.
In questa classifica troverai giochi in cui la colonna sonora è diventata una parte integrante dell'esperienza di gioco. Ci sono composizioni atmosferiche, rock ed elettronica potenti, temi orchestrali e musica che funziona così bene che vorresti ascoltarla anche al di fuori del gioco.
Silent Hill 2
Compositore: Akira Yamaoka
Genere musicale: Trip-hop, rock alternativo, industrial, ambient
La colonna sonora di Silent Hill 2 è un classico assoluto, che va ben oltre i confini dei videogiochi. Akira Yamaoka ha magistralmente mescolato rock chitarristico, industrial freddo, trip-hop e ambient inquietante, creando un suono praticamente impossibile da confondere con qualsiasi altra cosa.
I contrasti sono particolarmente impressionanti. Le parti di chitarra malinconiche in Theme of Laura e Promise trasmettono solitudine, struggimento e dolore interiore, per poi trasformarsi improvvisamente in rumore, stridore e dissonanze. Queste transizioni sonore funzionano quasi come un'estensione dello stato psicologico di James — a volte la musica spaventa ancora prima che appaia qualcosa di veramente terrificante sullo schermo.
Journey
Compositore: Austin Wintory
Genere musicale: Classica sinfonica, orchestra interattiva
Journey è un esempio perfetto di come la musica possa raccontare una storia praticamente senza parole. La colonna sonora di Austin Wintory è stata la prima musica per videogioco nominata ai Grammy, e questo risultato è pienamente giustificato: le composizioni qui non sono uno sfondo, ma uno degli strumenti narrativi principali.
Il ruolo principale è affidato al violoncello, che funge praticamente da voce musicale del protagonista. Man mano che il viaggio procede, il suono cambia insieme a ciò che accade sullo schermo: temi calmi e leggeri si trasformano gradualmente in composizioni orchestrali di ampio respiro. Grazie a questo, anche il semplice avanzare nel deserto viene percepito come parte di un grande viaggio emotivo.
Disco Elysium
Compositori: British Sea Power (Sea Power)
Genere musicale: Indie rock, post-rock, ambient
La colonna sonora di Disco Elysium integra perfettamente il mondo decadente, imbevuto di alcol, dibattiti politici e ricordi di Revachol. La musica del gruppo britannico Sea Power crea la sensazione di una città che ha vissuto tempi migliori, ma ora cerca lentamente di capire cosa fare dopo.
Le chitarre malinconiche, le tastiere ipnotiche e le composizioni post-rock trascinanti funzionano particolarmente bene durante l'esplorazione di Martinaise. La musica non cerca di essere costantemente evidente — al contrario, spesso suona abbastanza discreta da permeare gradualmente l'atmosfera del gioco. Ma basta ascoltare una composizione familiare da sola, e davanti agli occhi riappare la grigia Revachol con le sue strade in rovina.
Final Fantasy XV
Compositori: Yoko Shimomura, Keiichi Okabe e altri.
Genere musicale: Orchestra sinfonica, rock operistico, jazz, blues
Yoko Shimomura ha creato per Final Fantasy XV un vasto affresco musicale che cambia costantemente insieme all'umore del gioco. Ci sono temi orchestrali maestosi, composizioni drammatiche e musica che trasforma inaspettatamente il viaggio di un gruppo di amici in un'avventura quasi accogliente su strada.
Uno dei principali punti di forza della colonna sonora è la sua varietà. Somnus imposta subito il tono tragico ed epico della storia, mentre durante i viaggi sulla Regalia suonano composizioni più leggere, che permettono di godersi semplicemente la strada. Grazie a questo, la musica sottolinea non solo la portata degli eventi, ma anche l'amicizia tra Noctis, Ignis, Gladiolus e Prompto.
Clair Obscur: Expedition 33
Compositori: Lorien Testard (con la partecipazione di Alice Duport-Percier)
Genere musicale: Neoclassica, barocco, vocalità operistica
Clair Obscur: Expedition 33 mostra quanto possa essere espressiva una colonna sonora moderna, se la musica non è solo un accompagnamento, ma parte dello stile artistico del gioco. Lorien Testard ha creato una partitura insolita, ispirata al barocco francese, alla musica classica e all'estetica della Belle Époque.
Un posto speciale è occupato dalle composizioni vocali con la partecipazione di Alice Duport-Percier. La sua voce aggiunge alla musica una sensazione di qualcosa di bello e inquietante allo stesso tempo. Archi, pianoforte e parti vocali oscillano costantemente tra fragilità e drammaticità, il che si adatta perfettamente ai temi centrali del gioco — tempo, memoria, morte e il tentativo di lasciare almeno una traccia di sé.
Cyberpunk 2077
Compositori: P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz
Genere musicale: Industrial techno, synthwave, cyberpunk rock
Night City è impensabile senza la sua musica. In Cyberpunk 2077 la colonna sonora è diventata una parte integrante della cultura della città: la radio suona praticamente ovunque, la musica accompagna sparatorie, viaggi in auto e i momenti più importanti della trama.
La musica originale di P.T. Adamczyk, Marcin Przybyłowicz e altri compositori combina elettronica aggressiva, ritmi industriali e temi oscuri per sintetizzatore. Una storia a parte sono le band musicali fittizie e le stazioni radio, per le quali artisti reali hanno registrato canzoni appositamente per il mondo del gioco. Il risultato è la sensazione che Night City abbia davvero una propria vita musicale.
Red Dead Redemption 2
Compositore: Woody Jackson
Genere musicale: Neo-western, folk acustico, musica interattiva
In Red Dead Redemption 2 la musica è strettamente legata alla stessa sensazione del viaggio. L'enorme mondo di gioco spesso costringe il giocatore a cavalcare semplicemente attraverso praterie, montagne e piccoli insediamenti, ed è proprio in questi momenti che la colonna sonora si rivela particolarmente bene.
Woody Jackson utilizza chitarre, banjo, armonica e altri strumenti associati al West americano. Tuttavia, la musica non si limita a partire in determinati punti — cambia dinamicamente a seconda di ciò che accade. Una cavalcata tranquilla può trasformarsi gradualmente in una scena musicale tesa durante un inseguimento o una sparatoria.
E le singole canzoni che compaiono nei momenti chiave della storia possono letteralmente rimanere impresse nella memoria insieme agli eventi che accompagnano.
Elden Ring
Compositori: Yuka Kitamura, Tsukasa Saitoh, Shoi Miyazawa e altri.
Genere musicale: Dark epic fantasy, orchestra sinfonica, coro
Elden Ring utilizza la musica soprattutto per creare una sensazione di scala. Boss enormi, antichi dei e regni in rovina devono essere percepiti come qualcosa di veramente grandioso — e la colonna sonora orchestrale svolge egregiamente questo compito.
Cori potenti, percussioni pesanti, archi e ottoni trasformano molte battaglie in veri e propri spettacoli musicali. Inoltre, i boss più importanti hanno spesso temi musicali propri, che aiutano a sottolineare il loro carattere e la loro storia.
La musica qui non dice semplicemente al giocatore: "davanti a te c'è un nemico difficile". Crea la sensazione che davanti a te ci sia una creatura che ha vissuto un'intera epoca.
Doom Eternal
Compositore: Mick Gordon
Genere musicale: Extreme metal, industrial, djent
Se Journey usa la musica per un viaggio emotivo e calmo, DOOM Eternal fa praticamente l'opposto. Qui la colonna sonora serve a spingere il giocatore a muoversi più velocemente, in modo più aggressivo e senza sosta.
Mick Gordon ha unito riff di chitarra pesanti, djent, industrial, sintetizzatori ed effetti elettronici aggressivi. La musica si sincronizza perfettamente con il sistema di combattimento: quando compaiono dozzine di demoni, la traccia audio spinge letteralmente a continuare l'attacco.
Di conseguenza, la musica diventa parte del gameplay. È difficile immaginare DOOM Eternal senza questi riff furiosi — sono praticamente un'arma in più per lo Slayer.
Hollow Knight
Compositore: Christopher Larkin
Genere musicale: Neoclassica, orchestra da camera, ambient
La colonna sonora di Hollow Knight funziona in modo completamente diverso. Invece di una tensione costante, Christopher Larkin utilizza un suono da camera, pianoforte, archi e parti orchestrali morbide, creando una sensazione di bellezza in un mondo morente da tempo.
Ogni area di Hallownest riceve un proprio umore musicale. In alcuni punti le composizioni suonano misteriose e inquietanti, in altri — tristi e quasi pacifiche. Grazie a questo, esplorare il regno non sembra solo spostarsi tra le location, ma viaggiare attraverso i resti di un mondo un tempo vivo.
È proprio questo mix di malinconia e bellezza che rende la colonna sonora di Hollow Knight così memorabile. Non c'è quasi alcuna sensazione di musica superflua — ogni composizione esiste per sottolineare un luogo o un momento specifico.
Musica che diventa parte del gioco
Tutti questi progetti hanno un approccio completamente diverso alla musica. DOOM Eternal la usa per l'adrenalina, Journey — per un viaggio emotivo, Silent Hill 2 — per l'ansia e la malinconia, e Disco Elysium trasforma la colonna sonora in un'altra voce del suo mondo.
Proprio per questo le migliori colonne sonore dei videogiochi rimangono impresse nella memoria non meno dei personaggi e delle scene della trama. A volte basta ascoltare i primi secondi di una composizione familiare per ritrovarsi di nuovo a Night City, Hallownest, Revachol o da qualche parte nel mezzo dei deserti di Red Dead Redemption 2.
Una buona musica accompagna il gioco. Una grande musica continua a vivere separatamente da esso.